新加坡2013双年展

RUSANNA  JINGGA

 

什么是双年展?

双年展是许多国家采用的一种制度化的国际当代艺术展览形式,基本上每两年举行一次。1895年威尼斯举办了第一届双年展,后来采取这一展览形式举办双年展的国家越来越多。双年展的操作方法是主办者邀请世界各国参展,推出各国最活跃、最有发展潜力的当代中青年艺术家作品。双年展是国际当代视觉艺术最高级别的展示活动。在各国的双年展中,威尼斯双年展的历史最悠久,影响最大。

 

新加坡的双年展

新加坡在2006年首次推出双年展。以Belief(信念)为主题的首届双年展,云集了超过38个国家和地区的90多位创作者和艺术团体参展。2008年新加坡第二届双年展的主题是Wonder,有惊奇、惊异、疑惑等的意思。一般情况下是先有疑惑,经过思想的探索,然后再建立信念。但有了信念以后也会产生新的疑惑。大概是这种原因,第二届的主题才选用了Wonder

第三届的主题是Open House,来自30个国家的63位艺术大师参展,为观众呈现150多件作品。Open House可以翻译成“开放日”或者“开放门户”,意味着对世界各国的艺术家、包括观众敞开新加坡的大门,欢迎他们前来进行文化交流,也意味着使观众透过其中的一些展品更深入地了解世界各地市民的日常生活,重温逝去的时光,增进彼此的了解。比如来自印尼的4人组艺术团队Ruangrupa,展示了从本地跳蚤市场上收购到的旧物,除了唤起本地观众怀旧的情怀,同时也让外国朋友对上个世纪中叶的新加坡有另一层的认识。

 2013年10月26日业已开展的第四届新加坡双年展,简称为SB2013,主题是“If The World Change”。跨入21世纪的东南亚,不论是经济、文化,甚至包括气候等等,正处于快速的转型和变化时期,倘若世界变了,人们将如何应变呢?来自东南亚各地包括本地的82位艺术家汇集岛国,他们将围绕着“如果世界变了”这个主题展现出各自的观点,表现出对环境、社会不断变化的思考,以及对未来世界的期望。策划展览的团队希望观众能够和主题产生共鸣,通过艺术品向观众提供新的思维视角,也希望观众能够和作品产生良性的互动,让艺术与生活有机地结合在一起,并透过艺术品来激起观众对当下的世界深思,同时也对未来的世界有所新构思和想象。

本届双年展有27位策展人,来自东南亚各地。他们以各自不同的专业背景共同联合策展,如此阵容可谓史无前例。今年的双年展把焦点放在东南亚区域的艺术发展上,通过不同媒介或形态艺术,让观众看到东南亚艺术的百花齐放,以及这个地区不同种族眼中的世界,探讨其中的异同点。展出的地点分为8个展区,不同于往年分散在全岛各处,今年的各个展区比较集中,主要汇集在勿拉士峇沙(Bras Basah)及新加坡美术馆一带,这样的按排可以让观众在市区漫步,享受一线式的参观流程。

本文将重点介绍位于新加坡国家博物馆展区内的相关作品。

 

国家博物馆展区

 1. 2243: Moving Forward

 这个作品是一个由7人组合的菲律宾艺术家小组所呈现,作品是五彩缤纷的交通工具三轮车,色彩下也不忘点缀上Ukkil, 这是源自苏鲁族的一种雕刻艺术,车名Siete Pesos意为7披索(菲律賓的法定貨幣)。它亦指穿行在Cagayan de Oro市里的一种混合动力公共交通工具——摩托三轮车,由于每趟车费以7披索为定价而得名,此外这类三轮车的载客量为7个座位,而此项目也由7人组合完成,他们又都是70后出生的年轻艺术家。真是无巧不成书,都围绕着7的数字。卡加延德奥罗Cagayan de Oro 是位于菲律宾棉兰老岛北部的港口城市,Kagay-anons 是指该市的居民。2011年菲律宾曾遭遇严重的台风袭击,在应对这场天灾时,三轮车扮演着重要的救灾角色,这种摩托三轮车是Raphael Floirendo在1964年设计发明的,专利注册编号便是2243。这正是展品名“2243”的来历。虽然该发明的历史已有半个世纪,50年后的今天其仍然呈现出其多功能的实际用途。

《2243向前进》主要提醒人们,之前的灾难并未结束,往后随时都会出现其他的,或许更加严重的天灾,提醒人们需要居安思危,未雨绸缪。从这个展品我们可以看到艺术家们为这种摩托三轮车披上新装,比如车顶上方加载了一只舢板(菲律宾语称为Banca)以及救生设备之类的,其用意大概是让这种原始的交通工具也与时共进,能够在未来发挥更大的作用。

 

 2.     Toy (Churning of the Sea of Milk)

 括号里的英文是乳海翻騰的意思。乳海翻騰是出自印度著名神话的故事之一,讲述了阿修罗与天神的纠葛,也展示了神贪婪的一面。

故事的内容是,因陀罗得罪了敝衣仙人陶尔梵刹斯,他并不知道这位仙人是湿婆大神的分身之一,湿婆的诅咒立刻降临,因陀罗以下的众天神,乃至三界因此失去了活力,日渐枯槁。

司职保护之神毗湿奴,为了拯救并破解那咒语,让天神和阿修罗合作,一起搅拌须弥山下的乳海Ocean of Milk。因为乳海埋藏着长生不老的甘露,他们约定搅拌乳海从中得到甘露,平均分配,使阿修罗与天神都获得永生。毗湿奴先让大家把草药投入乳海,然后拔取曼荼罗山以作为搅海的杵,自己化身为巨龟,沉入海底承受搅杵的重量。蛇神则化为搅杵的搅绳缠绕在曼荼罗山上给予帮助。与此同时,阿修罗持蛇头,诸天神持蛇尾,一起搅拌乳海。这工作持续了数百年。

最后甘露出现了,但天神与阿修罗都想独占甘露,他们为了抢夺甘露展开战争,天神获得了胜利,阿修罗被排除在外。但是阿修罗之一的罗睺却变成天神的模样,混在其中喝了一口甘露,被日神和月神发现了,他们向毗湿奴打了小报告,甘露尚未经过罗睺的喉咙,他的头便被毗湿奴砍下。但是罗睺的头因甘露而长生不老,他的身体升入天空,化做不祥的彗星记都(Ketu),头颅得到了永生。从此,罗睺对日神月神恨之入骨,无休无止地追逐日月,不时吞噬他们。又因为他没有身体,被吞下的日月,又从他的喉部漏了出来,这就是日蚀月蚀的由来。

这个故事刻在柬埔寨吴哥窟的石器浮雕上,是吴哥窟的著名景点之一。作品利用古代传说作为主题,用现代材料棉、铁、人造纤维和木料来表现这个古老故事的情节,使得这件看似玩具的展品充满着深意,警示人类如果不对权利、欲望、诡计加以控制,如果言而无信的话,就会产生毁灭后果。

作者SvaySareth 1975年出生于柬埔寨,四岁开始在泰国边界难民营里生活了12年。在此期间,难民营的一个绘画老师教他绘画,他画画的条件很艰苦,缺少画纸、画笔,只能在沙地上练习,一直到了十六七岁才回到了柬埔寨。

 

 3. Waltz of the Machine Equestrians – 2012

作者Nguyen Tran出生于1971年,1975年越战结束时4岁, 在越南长大后转到美国升学。他的作品经常表现出跨国界的文化色彩。这些都体现在从编排表演的视频艺术到雕塑、绘画、音响装置等上,表现出了多样化的艺术表现形式。

作者在现代视觉艺术的领域非常活跃,曾经对权利、宗教、性、网络等发表过许多评论。他的许多作品为意大利、美国和越南等各国收藏家珍藏。

据艺术家自己介绍,他感到西贡的交通流动带有禅意,受此启发产生灵感,创作了《华尔兹电动骑士》这一作品。作品是28个电动车骑士, 身披五颜六色的雨衣, 每个骑士的雨衣用夹子和橡皮线连接着。整个车队在华尔兹的节奏下浩浩荡荡地穿过大街, 看上去会让您产生什么样的联想呢? 或许是一群现代游牧民的阵容?又或许让您感受社会上个人或群体之间的一种拉扯和张力? 短片的开始呈现的是,整个团队都紧密连在一起,并朝着同一个方向前进。这意味着刚刚过去的越南。短片的结尾,是一个个骑士各奔东西南北,原有栓着的橡皮线也就被拉断了,这样的举动意味着人们对未来的一种激情,五颜六色的雨衣色彩鲜明靓丽,给人们带来的是一种动感和对未来丰富多彩的向往。

  

  4. Crystal Palace: the Great Exhibition of the Works of Industry of all  Nuclear Nations

   Ken & Julia Yonetani 双人组)

KenJulia Yonetani 自2009就开始合作, 他们俩的作品包括雕塑、装置艺术、视频和表演艺术等, 可算是一对多元艺术家。他们作品中最驰名的是装置艺术。而这种装置艺术所采用的则是非一般的材料, 例如食糖或食盐等。这此他们展示给我们的是以铀玻璃为材料创造的作品。

他们的艺术特点是很会激起人们消费的欲望,同时也提醒人们加强环保意识。他们的作品受到澳洲、英国、芬兰、德国等的热烈欢迎,曾代表澳洲参加了2009年威尼斯双年展。

Ken1971年出生于东京,后来移居澳洲。他在日本获得了经济系学士学位,曾经在外汇市场工作三年,随后跟随日本陶器大师Toshio Kinjo,成为其助手,以后再到澳洲获得艺术硕士和艺术博士学位,曾经举办过多次个人展和集体展,包括2008年澳洲双年展。

Julia YonetaniKen一样,同样在澳洲获得博士学位,在University of New South Wales任教,讲授历史、文化和美术理论,以英文和日文出版有关她和ken合作的展览品,热心于环保运动。

Crystal Palace《水晶宫》如果想读懂这一作品的话,就必须把2011年日本福岛核电站泄露事故和英国著名的水晶宫联系在一起来思考。

先来看展品。该展品主要用收集来的古董吊灯架,配上铀玻璃,再以紫外线灯创作而成。灯架一共有31个,其中古董灯架30,新仿制的灯架1个。这31个灯架代表了31拥有核发电厂的国家,灯架的大小代表每个国家核电站的规模,而铀玻璃的铀则是核燃料之一,这一展品是首次展出。到目前为止东南亚国家没有使用核能发电。

那为什么这一作品命名为水晶宫呢?1851年伦敦举行大型博览会时,Sir Joseph Paxton 采用钢铁为骨架玻璃为主要建材设计的建筑,名字叫水晶宫。设计者希望通过这两种材料的完美结合,展示人类工业革命所取得的巨大成就。不过,很遗憾在1936年的一场火灾中,仅仅几个小时就将这一著名建筑化为灰烬。火焰吞噬了象征着大英帝国的种种成就,也吞噬了工业革命的象征。这从一个侧面说明了人类文明的脆弱。

 Crystal Palace借用了这一名称,想说明核能发电即显示了人类科学技术的进步,是人类的骄傲,同时也潜在着危险。这说明了核能源的脆弱性。

 

5Unsubtitled

 作者Nguyen Trinh Thi 1973年出生于越南,现在河内生活和工作,是一个独立制片人,DOCLAB的创办人。DOCLAB是河内一所私人机构,主要制作记录片和艺术视频,同时大胆探索被遗忘的历史,对错误的历史进行纠正,还非常关注越南艺术家的社会地位。

作者邀请了一群艺术家和文化工作者,让他们在《无题》的主题下以表演形式自然吃东西。作者将这个过程全部录像,创作了这一作品。作者用吃东西来做比喻,以此来说明作为艺术家应该拥有一定自由空间,就像人们在吃东西一样自由。吃东西对于人类而言本来是一件很自然的事,是一件非常简单的事,也是一个本能的动作,不分民族国籍,是为了生存,为了延续生命,然而,实际上它并不如我们想象中那样简单,面对摄像头,受邀者还是多少表现出了拘谨或某种不自由。

在单独一人的情况下,我们可以选择自己心爱的食物来满足自己的欲望,包括可以根据自己的喜好和心情来挑选食物。作品将受邀者吃的神态投影到特制的木板面上,参观者对他们咀嚼和吞咽食物的声响一定难以忘怀。

人们在镜头下吃东西会显得机警,就像人身的自由受到监视一样。所以,从某种意义上说,《无题》喻示着人们的基本人权往往受到一些敌对势力的威胁。

 

6Moment

 作者Grace Tan 1979年出生于马来西亚,现生活和工作在新加坡,是一位跨学科的艺术家,擅长于空间结构的设计和耐磨材料的运用,在作品创作中常常将艺术、设计、数学有机地融为一体。她曾受过专业时尚设计训练,2003年开始踏上艺术生涯,对长方形、材料和建构方式等进行研究和各种编号,近年来研究跨越到有关耐磨面料、复杂装置和空间结构艺术。作者曾应邀参与了新加坡美术馆、 Art MuseumThe Esplanade and the Land Transport Authority of Singapore多个项目的设计,也代表新加坡参展过世界多项展览。

《瞬间》是为一个特定的场地而设置的。这一设计主要是作者不断地更深入地进行自我解剖。我们经常忘记什么是重要的,也常常跟周围的环境脱节,最终我们存在的世界只是一个暂时性的,我们只是百代过客,在不断改变的世界中,我们如何寻找自我。

作品采用工业材料和手工制品制作而成,位于KenJulia的作品紫外灯光的照射之下。两个作品交相呼应,展开时空对话。从而体现了人类的自然的本能和创造力。

  

7Chalk & Cheese

作者Leroy Sofyan 1973年出生于新加坡,现生活和工作在新加坡,从2007到2009连续三年荣获NAFA Fine Art Award,2008年获得NAFA奖学金,2009年获得POMO奖学金,2010毕业于NAFA。2009年其作品Reminiscence 在滨海湾艺术中心展示,同年在Jurong Estate展示其作品。2011年在Sculpture Square参展,首次以“Whitewash”为主题展示作品。    

 作品以“扫帚”和“拖把”来代表卑微艰辛的清洁工作,把焦距聚集在经常被人们忽略的清洁劳动上。作者认为“劳动”一词赋有多面性的象征意义,它是劳动党的“燃料”,也会每天连续不断地让人劳累。在英文词意上Labour还有女人分娩的意思,意味着在最基本的程度上支撑整个社会和人类的传承。

 Whitewash”系列中,带给观众形而上的寓意, 把它带入博物馆,让人们反思会如何更恰当地保留和呈现我们国家的历史,一个国家一个民族在不断追求进步之际,对于一些旧的或是有历史性的东西会如何处置呢?在这过程当中我们扫去了多少污秽?我们又保留了多少辉煌的故事呢?

 

8Wormhole 2013 Installation

作者Eko Prawoto在印尼的日惹The Duta Wacana University大学里任教,他的作品多次参加国际展展览,其中包括2002光州双年展、澳洲、欧洲、日本各国展,在印尼日惹的Cemeti Art House荣获了建筑奖项。另外他非常积极参与印尼Ngibikan村2006地震过后的重建和修复工作,这项工程也让他在The Aga Khan Architecture Award得到提名。阿卡汗建筑奖 Aga Khan Award for Architecture 是一个颁给优秀的伊斯兰建筑和对伊斯兰建筑有重大贡献的建筑师的奖项。

Eko是一位专业建筑师,把人们和大自然的距离拉得更近是他的梦想之一。所以,在作品中,他将稻草和竹子之类一些非常自然质朴的材料用来进行创作。同时,他也善加让空间、文化和历史在同一作品中产生共鸣。在Wormhole里,他利用成排的竹子制成三个锥形结构,从远处看似一座座山丘,虽然在印尼 这一景象很常见,但在本地却是难得一见的山景。根据印尼当地的民间传说,“山”即代表了天和地的交界,也意味着人类和宇宙之间的一个接点。作品名《虫洞》,从字面意思理解为赋有泥味的虫儿在土里串动过的洞径。但“虫洞”又称“爱因斯坦-罗森桥 Einstein—Rosen bridge ,是指宇宙中可能存在的连接两个不同时空的狭窄隧道。

带着想象走入了虫洞,抬头透过顶上的小孔观看天上云彩缓缓漂动,使人仿佛通过时空隧道进入了另一个时空。而隐隐的竹香、稻香和草香则营造出一种原始的野趣,不论大人或小孩都可以在洞里窜来窜去寻找别有的体验。这一作品把人们原本熟悉的人行空间演幻成一个富有诗情画意的 、一个能激起灵感的世/市外桃源, 促使人们在此沉思,寻求新的发现和转变。

都市生活让人们的脚步无休无止,接踵而至的还有各种社会压力,《虫洞》为都市的人们提供了一 个短暂的喘息之地,令充满商业和功利气息的城市回归到大自然。

本来“空间”对于现代城市人来说就非常宝贵,是争夺的对象。在以玻璃和钢铁为象征的城市里,用自然质朴的竹子稻草搭建的虫洞,提出的实际上是一个传统的观点:城市和乡间本来是对立的,但事实上完全可以有机地共存于同一时空。

 

9. Rainbow Circle

果天气晴朗的话,会给参观者带来一个意外的惊喜。这是此作品的标新立异之处。

作者将户外的场景引进了庄严的国家博物馆旧殖民地时期的新古典建筑内,同时,利用自然界的元素为主要媒介,将先进的技术和古代光学科技结合在一起,创作了“彩虹圈”这一作品。彩虹一般象征着好运、财富和幸福,但它出现的时间极其短暂,犹如昙花一现,又显示出其虚幻的一面。在英文的成语里有一句“追逐彩虹”,意思是追求不切实际的梦想和希望。作者将这种比喻融进了作品的构思中,将世界的变化和希望与徒劳和失败交织在一起,而巧合的是 Rainbow Circle能否出现彩虹也是难以捉摸的,因为天气变幻莫测,作品最终是否能够完成仍然要依赖阳光。

作者Suzann Victor1959年出生于新加坡,现生活工作在澳洲悉尼,在第49届威尼斯双年展上,她是代表新加坡馆参展的首位女性艺术家。

 

10. Lumbung Ilmu (Granary of Knowledge)

      2005

在印尼语中,Ilmu 指知识或科学,而Lumbung是粮仓或谷仓之意。在印尼,农夫用它来储存和保护收获的米粮、食物以防止老鼠之类的害虫。自学成才的艺术家Rosid在印尼的万隆市,把Lumbung转型成为一个多功能用途的空间,为该社区的社群提供另类的服务。

具体而言,他将自己的简陋木屋Lumbung焕然披上新装,转型成为当地居民的共用图书室、祷告屋,同时也将其打造成乡亲朋友们聚集的好地方。他图书室里的藏书来自其多年的收集,从印尼古典文学到传统的印尼食谱,范围很广。在木屋的周围,他采用了各式各样的农具作为装饰和点缀,以此来警示要饮水思源,不忘农本。同时也借此表明,为自己这个农家子弟 Anak petani  的血统感到自豪。

作者搭建这个木屋最初的目的,是用来作为个人避难所的,是一个得以放松自己、寻求灵感、身心休息的小屋。现在,它已经演变成为一个不仅是小我的天地,也是文化价值观和文化传统的知识库,而这些在日益快速城市化的世界正面临迅速的消失。

 将Lumbung的功能加以转变,   将木屋搬移到现场,恰如其分地说明了艺术家个人的积极态度和美好愿望。作者无私地和他人分享知识和学习的经验,通过这个作品,人们无形中也会被他的美德所感染。

Rosid, 1969年出生于印尼的万隆,是一位自学成才的艺术家,创作灵感来自传统的肖像绘画,艺术风格即简单、朴实,又很温和,经常采用黑白二色进行创作,善于捕捉各个不同主人翁在某瞬间的神情来突出主题。通过实验,他不断探讨如何将其它的材料利用到视觉艺术上来,如何提高绘画的技巧,以此更有效地表达其视觉艺术。

新加坡2013双年展的隆重推出,更加凸显了新加坡在拥护和实践当代视觉艺术方面的地位。希望本土的营养能促进艺术的成长,让艺术融入了人们的生活,让生活中充满了艺术。

 

 

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